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INFLUENCIA JAPONESA (JAPONISMO) P R E S E N TA : L U Z M I N E RVA M AR T I N E Z M O N R O Y

INTRODUCCIÓN: Japonismo, un arte con encanto: "No existe nada en la creación, ni la mas ínfima brizna de hierba, que no sea digna de encontrar su lugar en las concepciones elevadas del arte (...) bajo su influencia, la inerte sequedad de la líneas a la que nuestros artistas industriales creen deberse sacrificar, se superará poco a poco, y nuestras producciones se animarán de un soplo de esta vida intensa que basta para explicar el encanto secreto del que toda obra de arte de Japón está impregnando".

JAPONISMO el movimiento

El Japonismo es el término que se utiliza para denominar la influencia del arte japonés en el arte occidental. El origen de esta palabra es discutido: según unos proviene de Julies Claretie en su libro L’Art Francais en 1872, publicado ese mismo año, mientras que otros sostienen que fue Zola el primero en acuñar este término.

El JAPONISMO dio inicio con la llegada de estampas niponas, llamadas UKIYO-E, a París. Específicamente, ukiyo-e es la técnica del grabado policromo, que se caracterizaba por la captación de escenas espontáneas, algo que fascinaría a artistas ses impresionistas. En dichas escenas la figura de la GEISHA desempeñaba un protagonismo considerable, así como en otras manifestaciones artísticas como la literatura o la ópera. Del mismo modo, es destacable la representación de actores de KABUKI (forma de teatro japonés), de LUCHADORES DE SUMO, de chonin (burguesía nipona) o de SAMURÁIS. El artista francés Félix Braquemond, alrededor de 1856, entró en o con este arte con el libro de esbozos Hokusai Manga, en el taller de su impresor: el libro estaba siendo utilizado como papel de embalaje de un pedido de porcelana. A pesar de este primer o con obras japonesas, la mayoría de estampas que llegaban a Occidente eran de artistas contemporáneos a la época (décadas de 1860 y 1870) y tuvo que pasar algún tiempo hasta que se empezaran a valorar los trabajos de artistas de generaciones pasadas. Los autores principales de este movimiento fueron: Utamaro 1754 – 1806 Hokusai 1760 – 1849 Hiroshige 1797 – 1858

Se debe tener en cuenta que a mediados del siglo XIX, Japón abre sus fronteras para el intercambio comercial, cosa que facilitó que el arte nipón llegara a occidente. Las exposiciones universales que se daban en la época, como la de Londres en 1862 o la de París en 1867, ayudaron a su difusión. La sección japonesa de esta última exposición supuso una revelación para Morris y su discípulo Arthur Lasenby Liberty, quien llegaría a fundar una tienda de decoración basada en objetos del Extremo Oriente. Con esta exposición, el arte del japonismo quedaría consolidado. En 1868 la revista La Vida Parisina publicaría un artículo sobre “la moda del Japonismo” y, un año después, Ernst Chesnau publicaría un libro dedicado exclusivamente al arte nipón: L’art Japonais. Otro medio de difusión del Japonismo de gran eficacia fueron las revistas ilustradas que acompañaban sus textos con grabados y fotografías. En 1888, Samuel Bing creó la revista sobre arte Le Japon Artistique, creada en un momento en el que el Japonismo se había extendido masivamente y la gente demandaba más información sobre este movimiento. Dos años más tarde, Bing organizó la primera gran muestra retrospectiva de ukiyo-e en la Escuela Nacional de Bellas Artes, cuando ya había grandes coleccionistas de las estampas japonesas, tales como Monet.

UKIYO-E El GRABADO JAPONÉS recibe el nombre de ukiyo-e o PINTURAS DEL MUNDO FLOTANTE. El mundo flotante refiere al periodo Edo por el que atravesaron las ciudades de Tokio, Osaka y Kioto, y representó una época rica cuya explosión cultural se centró en las letras, el grabado, la danza, las geishas y el sumo; todo lo que sostiene la cultura japonesa. El grabado de esta época utilizaba comúnmente la XILOGRAFÍA como medio de impresión.

KATSUSHIKA HOKUSAI 1760-id., 1849, Pintor, dibujante y grabador japonés. Siendo niño fue adoptado por los Nakajima, familia de honda tradición artística. A los dieciocho años se convirtió en pupilo de un destacado maestro del ukiyo-e (literalmente, «escenas del mundo flotante»), género artístico que floreció durante el período Kamakura y que tendría en Hokusai a su más depurado estilista. Tras la muerte de su mentor, se estableció de forma independiente e inició una brillante carrera artística en la que utilizó toda clase de técnicas, desde el grabado hasta la ilustración de libros. Hasta 1806 concentró su atención básicamente en la representación de paisajes y escenas históricas, aunque tras la muerte de su hijo mayor se introdujo en el más comercial soporte del «libro de ilustraciones», entre los que destacan sus Treinta y seis vistas del Monte Fuji (1826-1833), culminación del ukiyo-e y una de las más delicadas muestras artísticas japonesas de todos los tiempos.

¿QUÉ REVELAN ESAS IMÁGENES DE UN MAR AGITADO QUE AMENAZA CON ENVOLVERNOS EN SU ESPUMA? La estampa de “La gran ola de Kanagawa” es muestra de la simpleza de la estética japonesa y de una filosofía relacionada al budismo zen. Cuando miramos las obras del “mundo flotante” de Katsushika Hokusai, es inevitable que, sin saber su procedencia, descifremos una estética oriental que nos seduce al retorno a la naturaleza. Hokusai nos envuelve con su mirada, es el hombre que “dibujó todo, desde las larvas hasta el sol”, como diría José Juan Tablada, primer divulgador de la obra de Hokusai en MéxicoArtista de la escuela de “pinturas del mundo flotante”, Hokusai aseguró la fama de sus obras en Japón y el extranjero al mostrar un trabajo monumental de recursos expresivos e inigualable belleza, que le situó al lado de los impresionistas europeos como Van Gogh, Monet, Toulouse o Degas. Sus obras más representativas son: ‘La gran ola de Kanagawa’, ‘El monte Fuji rojo’, ‘El sueño de la esposa del pescador’ y ‘El fantasma de Kohada Koheji.’.

En la estampa de “La gran ola” se alcanza a vislumbrar al fondo el Monte Fuji, montaña sagrada que se identifica como símbolo de la identidad de Japón. A pesar de lo agitado de las olas, el cielo se mantiene iluminado y sereno. No llueve ni hay tormenta, reflejo de que, como en la filosofía zen: debe mantenerse la calma a pesar de la tormenta.

A su vez, sus imágenes de paisajes, muestran a pobladores con el sombrero típico de los campesinos y sembradores en los campos de arroz de Japón, habitando entre las montañas. Las montañas de Japón son para la filosofía taoísta concebidas bajo una noción de fuerza y omnipotencia: la imponente naturaleza frente a la cual el hombre se sitúa. En las estampas de Hokusai, las montañas son delineadas con la misma sutil delicadeza de quien pinta lo efímero de las olas. Como una ola más, las montañas se levantan, lejanas e imponentes, para recordarnos lo pequeño y frágil que somos ante la naturaleza.

El arte de sus pinturas habla por sí solo, sus obras nos transmiten la serenidad y simpleza de un hombre que tuvo a bien, retratar la naturaleza de su país como una obra de monumental belleza.

TAKAO NAKAWAGA POP ART AL ESTILO UKIYO-E SUSANASANJUANILUSTRACIÓNPINTURA Takao Nakawaga es un artista e ilustrador japonés quien llamó la atención de varios con su peculiar serie de retratos de iconos pop de nuestra cultura actual; que van desde personajes icónicos de ciencia ficción hasta de protagonistas de videojuegos. Sin embargo lo que más llama la atención, es el estilo utilizado para dicha obra: el Ukiyo-e, un estilo de pintura característico del Japón de los siglos XVII al XIX, técnica que se usaba para hacer grabados en madera para ciertos personajes de la élite japonesa. Tomar lo antiguo y combinarlo con lo moderno hace de su arte algo especial e inédito, habiendo logrado fusionar dichos iconos pop en posiciones características de los samuráis de la época dándole toques un tanto satíricos.

EL MANGA Manga es el término japonés con que se designa a las historietas, tiras cómicas, caricaturas o comics, este vocablo fue acuñado originalmente según Estudio Fénix (2001) alrededor de 1814 cuando el artista de Ukiyo-e Hokusai Katsushika combinó los vocablos man – informal, involuntario- y ga -dibujo, pintura, sin embargo el origen de la historieta, o manga se remonta incluso a fechas anteriores. La escritura Japonesa Kanji, basada en ideogramas chinos bien pudiera ser un lejano antecedente de comic en ese país asiático. De acuerdo a Schodt (1983) pese a desconocerse exactamente cuando se realizó el primer intento de caricatura en Japón, los ejemplos más antiguos se remontan a los siglos VI y VII de nuestra era, cuando la realeza japonesa estaba fascinada por la cultura china.

EL PRIMER MANGA

MANGAKA Mangaka es una palabra japonesa compuesta por dos partes, primeramente podemos encontrar como prefijo la palabra Manga que quiere decir comic o historieta, acompañada de el sufijo agregado ka, el que cual hace referencia a quien lo crea, más específicamente “creador de algo”. Este sufijo tiene una segunda intención y es de darle una connotación honorífica de maestría o experticia a la palabra. En resumidas cuentas en Japón, un mangaka es un creador de historietas, fuera del país, principalmente en occidente se usa para referirse a autores de manga. Se puede decir que los mangakas nacieron junto al manga entre los años de 1868 y 1962 con la llegada de la cultura occidental a Japón. Durante este periodo el arte gráfico tradicional japonés sufrió una evolución al ser mezclado con la historieta traída de occidente, produciendo así un nuevo estilo de dibujo que rápidamente fue cogiendo popularidad en todo Japón. No obstante, los rasgos del manga que conocemos actualmente solo se dieron a conocer tras la Segunda Guerra Mundial gracias al trabajo de Osamu Tezuka.

MANGAKAS FAMOSOS Osamu Tezuka :en su país se le llama «el dios del manga» debido a que gracias a su obra expandió y difundió masivamente la lectura y el consumo del manga como medio de entretenimiento popular, dando como consecuencia que las mangas, llegara a tener una influencia profunda en la sociedad japonesa de la post guerra. Su nueva manera de desarrollar y crear manga, basada en las técnicas de la cinematografía de la época y de genios de la animación como Walt Disney,1​ replanteó la tradicional realización de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas rígidas y de pocos cuadros con cortas historias auto conclusivas para ser reemplazadas por los llamados story manga, o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada y compleja. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que hasta el día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus mangas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español.​ La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y los mangas (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

2.AKIRA TORIYAMA

3. NAOKO TAKEUCHI

4. RUMIKO TAKAHASHI

5. SATOSHI TAJIRI

INTRODUCCIÓN Japón es un país geográficamente pequeño y con una cultura homogénea. Se dice y se cree así. Es, sin embargo, un país largo y tiene un clima muy variado de región en región, lo cual se refleja en una rica variedad de las culturas regionales y en las casas. En la isla de Honshu, las sierras de las montañas corren por el centro de la isla como una vértebra. El viento frío que viene desde Siberia, recoge humedad cuando pasa por el Mar de Japón. El viento frio y húmedo, al subir por las altas montañas, se sacude de toda su humedad que cae convirtiénose en nieve. En invierno, en Tokio y en muchas partes de la región de Kanto, hace un viento seco y frío, que se llama " Karakkaze "(Viento seco). En ambos lados de las sierras, a una corta distancia de menos de unos 10 kilómetros, la gente vive en un clima distinto. La gente sabe vivir adaptándose a su propio clima y la condición geográfica, lo cual originó una gran variedad de los estilos de vidas y de viviendas.

LAS PAGODAS La mayoría de los expertos coinciden en que la pagoda, que es un monumento budista de pisos superpuestos habitual en países como China, Corea y Japón, procede de la stupa de la India. De acuerdo con Francisco García Gutiérrez, uno de los mayores expertos en arte japonés de España, «la stupa es un túmulo funerario en forma de hemisferio, que se daba ya en la antigua religión cósmica, y fue aceptado por el Budismo para guardar en él las reliquias del Buda histórico».

En un principio, la stupa era un túmulo en forma de bóveda rodeado por una balaustrada de piedra (vedika) en la que se abren cuatro puertas decoradas con motivos escultóricos que señalan los cuatro puntos cardinales y a través de las cuales los peregrinos pueden acceder. Entre la vedika y el cuerpo de la stupa se encuentra el pradakshina patha, es decir, el camino por el que los devotos pueden rodear la stupa, siempre de izquierda a derecha.

Una evolución de la stupa sería la pagoda, más extendida en China o Japón. Si bien ya existían stupas de base cuadrada con cuerpos superiores que simbolizaban los cinco elementos —tierra, agua, fuego, aire y cielo— será en la pagoda donde aparezcan de forma más evidente estos cinco planos simbólicos. Esto es, la pagoda es una representación del Universo. La base cuadrada en la que se asienta simboliza la tierra; el pilar central que asciende desde la base hasta el punto más alto, el eje del mundo. El material con el que se construyeron las primeras pagodas fue la madera. Posteriormente, empezaron a utilizarse otros materiales más resistentes, como la piedra, el ladrillo, el bronce o los azulejos. El número de cuerpos o pisos de la pagoda también ha evolucionado si bien se ha conservado el carácter impar. En la actualidad, no sabemos a ciencia cierta cuántas pagodas hay en China. La más antigua es la pagoda de Songyue, que fue construida con ladrillo y data del año 523; la de Sakyamuni (1056), que forma parte del Templo Fogong, es la más antigua de las que fueron construidas con piezas de madera ensambladas, sin utilizar un solo clavo.

Pagodas de Cinco Pisos: ¿Por qué los Terremotos no las Pueden Derrumbar? Una Sabiduría Procedente del Pasado La pagoda de cinco pisos es una sorprendente pieza de arquitectura – a pesar de los continuos terremotos que sacuden Japón casi no existen registros de alguna pagoda derribada. El Gran Terremoto de Hanshin Awaji en 1995 derribó muchos edificios modernos en el área de Kobe, pero ninguna de las 13 pagodas de tres pisos en los alrededores de la Prefectura de Hyogo resultó dañada. La pregunta es: ¿Qué secretos envuelven a las pagodas de tres y cinco pisos para salvarse de los terremotos? El primer secreto radica en el material utilizado – cada parte estructural de las pagodas de cinco pisos está hecha de madera. Cuando la madera es sometida a una fuerza tiende a combarse, pero no se rompe fácilmente. Cuando la fuerza deja de actuar la madera regresa a su forma original. Dado que es flexible es capaz de absorber la tensión sísmica. El segundo secreto, de tipo estructural, complementa la flexibilidad de la madera. Los tablones se encuentran fuertemente unidos sin ningún clavo, insertando las aberturas pequeñas y estrechas de los extremos en las ranuras. Por ello, en caso de que la tierra comience a sacudir las superficies de madera los tablones se unen unos a otros en esas juntas mucho más. Esto ayuda a impedir que la energía sísmica ascienda por la torre. Las pagodas de cinco pisos cuentan con cerca de mil juntas engarzadas haciendo que toda la estructura sea tan flexible como konnyaku.

El tercer secreto tiene que ver con la estructura laminada de la pagoda. Si se coloca una losa larga de konnyaku verticalmente no se mantendrá derecho, pero cinco piezas cúbicas en reducción de tamaño una sobre otra si lo harán. En español se dice “Pagoda de cinco pisos”, pero la palabra japonesa go-ju no to (“Torre de cinco láminas”) es más precisa, porque la pagoda es esencialmente un número de estructuras tipo cubo situadas unas encima de las otras, más parecido al tradicional juego de varias cajas, llamado jubako . Las cajas se encuentran formados por lados fuertemente unidos en las juntas. Cuando la tierra tiembla cada una de sus láminas oscila lentamente e independientemente de las otras. El cuarto secreto implica un efecto de temblor. Cada lámina permite una cierta cantidad de oscilación, pero en caso de que ésta se produzca lejos del centro podrá derrumbarse. Hace mucho tiempo, un carpintero experto en técnicas de construcción observó un pabellón de cinco pisos durante un fuerte terremoto. Informó que cuando la primera lámina se inclinaba hacia la izquierda el que estaba por encima lo hacía a la derecha y así sucesivamente. ¡La torre parecía ejecutar la danza de la serpiente!

El movimiento no era muy distinto del tradicional juguete de equilibrio yajirobe, que cuenta con diferentes láminas que oscilan en direcciones opuestas y luego vuelven al equilibrio Nota 1:

Nota 2:

Konnyaku es un alimento de tipo gelatina hecho con el tubérculo de una planta de la familia de las aráceas. Jubako son cajas de madera para portar comida. Se pueden apilar unas sobre otras ajustando el fondo de una sobre el borde de la otra. Pagoda de cinco pisos Como la danza de una serpiente Ejemplo de movimiento lateral en una pagoda durante un terremoto. La primera lámina, con estructura del tipo caja, se inclina hacia la izquierda; la de encima sobre la derecha, la siguiente sobre la izquierda y así sucesivamente como un danzarín bailando la danza de la serpiente.

Figura 2. Los principios del juguete de equilibrios yajirobe

Los pesos de los dos extremos del brazo cruzado de un juguete de equilibrio yajirobe ejercen una fuerza igual desde los lados opuestos del fulcro, manteniendo el nivel del brazo. Si se empuja el peso del lado izquierdo hacia abajo, la distancia horizontal desde el fulcro a los dos pesos se hace desigual. Dado que la distancia es ahora más larga, el peso de la derecha ejercerá más empuje hacia abajo, llevando al brazo cruzado otra vez al equilibrio. Así, cada desplazamiento vertical de los pesos resulta finalmente en un regreso al horizontal.

EN AMÉRICA…

LA TORRE LATINOAMERICANA

CASAS ESTILO GASSHO-SUKURI Shirakawa-gō es un pueblecito nombrado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Este lugar se ha hecho famoso por su centenar de edificios gasshōzukuri, es decir, unas edificaciones de madera con tejados muy inclinados hechos con paja. Estas construcciones tienen un diseño peculiar ideado para combatir los rigores del duro invierno en la región de Hida. La forma de sus tejados evita la acumulación de la nieve. El primer extranjero que reconoció el valor arquitectónico de las casas del estilo "Gasshô zukuri" fue el arquitecto alemán Bruno Taut. En mayo de 1933, perseguido por el gobierno Nazi e invitado por los arquitectos japoneses, visitó Japón y se refugió en Japón, aunque Japón tenía alianza con Alemania.

En mayo de 1935, visitó Shirakawa-go e investigó la casa de la familia Tôyama, que fue la más grande en Shirakawa-go. Bruno Taut fue impresionado por su estructura racional, funcional y estética. Los clavos no se utilizan ni las vigas ni los pilares se atan con cuerdas. libre de bichos, dura unos 40 - 50 años. Todos los aldeaños, por ello, experimentan la reparación íntegra de su propia casa una vez en su vida. El ángulo agudo de 60 grados de la forma "V" invertida del tejado es para recibir menor cantidad posible de nieve. "Gasshô" quiere decir "juntar palmas o "rezar". Cuando rezan a la Buda, juntan las palmas en forma de "V" invertida.

Estas casas construidas en el siglo XIX están alineadas en paralelo al río Sho, creando un paisaje muy armonioso. Este estilo arquitectónico es conocido como gassho-zukuri, lo que significa manos unidas en oración, se caracteriza por un techo de paja inclinado que permite que las casas se deshagan de la nieve en invierno.

JARDIN ZHEN(Karesansui) ZEN ES UNA PALABRA JAPONESA QUE SIGNIFICA MEDITACIÓN y por lo tanto, los jardines zen son áreas verdes diseñadas para transmitir tranquilidad, tanto para quien los realiza, como para quien los contempla. LA PALABRA JAPONESA PARA DENOMINAR UN JARDÍN ZEN ES: KARESANSUI. Los primeros jardines zen empezaron a diseñarse en los monasterios o centros budistas como ayuda para la meditación en el camino de encontrar la iluminación. SE CARACTERIZAN POR SU SENCILLEZ, ELEGANCIA Y POR SER JARDINES SECOS: NO INCLUYEN EL AGUA. Con el tiempo, su popularidad se ha ido extendiendo y se pueden irar jardines zen en muchos lugares del mundo, al igual que áreas verdes, inspiradas en este estilo o que incluyen algún elemento o característica zen. El significado literal de la palabra karesansui es “jardín seco de montañas y agua”. Esto se debe a que la arena o grava representa el agua, y las piedras las montañas. Son jardines escenográficos, y de dimensiones acotadas (como máximo 10 x 30 metros). La arena se rastrilla con diferentes dibujos que varían desde líneas rectas, ondas, zig zags a círculos concéntricos. La disposición básica es rodear las piedras que sobresalen con anillos, representando las ondulaciones en el agua y en el resto del jardín, rastrillarlo en paralelo a la plataforma. El Jardín Japonés se puede decir que es una simbiosis de arte y naturaleza, en donde se reproduce el intento del hombre por encontrar su posición y su relación dentro de ella.

Se le relacionó con el budismo zen porque estos jardines se realizaban cerca de los templos budistas Rinzai Zen, más concretamente a los grandes complejos de templos en Kioto. Pero no son exclusivos de los templos, los jardines secos pueden hallarse junto a casas, restaurantes y posadas Algunas características son: - Imitan la esencia interna de la naturaleza y no sus manifestaciones externas. Sirven para la contemplación y transmiten un efecto tranquilizador en el observador. -Son la representación abstracta de la naturaleza, pero se pueden considerar todavía naturales. -También se afirma que son energéticos, por los componentes que utilizan y si se utilizan múltiplos de tres en la cantidad de piedras. Ha habido muchas interpretaciones para explicar la distribución de un KARESANSUI. Algunas son: -La grava representa el océano y las rocas representan las islas de Japón. -Las rocas representan a la tigresa con sus cachorros, nadando hacia un dragón. -Las rocas forman parte del kanji , cuyo significado es "corazón", "espíritu" o "mente". -La arena, es energía viva y pura por los cuarzos, las piedras las dificultades o también las deformidades que uno cree tener.

Los 5 elementos de un jardín zen El jardín de roca se añadió al templo a finales del siglo XV, con el fin de proveer de un lugar a los monjes para su meditación. Se dice que dicho jardín tiene un efecto tranquilizador. 1. Uno de los elementos que debe incluir un jardín zen, es un SENDERO de madera o piedra, a fin de que guíe al visitante por los demás elementos. El sendero significa que debemos ser consecuentes y reconocer los pasos que nos ayuden a avanzar a progresar en la vida.

2. Otro de los elementos importantes en el jardín zen o en los jardines inspirados en esta filosofía, son las PLANTAS. El verde es vida y se pueden seleccionar de acuerdo al espacio que tengamos disponible, a las condiciones climáticas donde vivamos o a la iluminación que reciba nuestro jardín, principalmente si está en interior o exterior. 3. Los ÁRBOLES se encuentran entre los elementos más notorios de un jardín inspirado en esta filosofía oriental. Muchos árboles tienen un significado simbólico, como el castaño que significa valentía o el pino, que representa la vejez. 4. La ARENA es un símbolo de pureza, que consagra el jardín y lo distingue de su entorno. Además, la arena representa el medio en el que existimos, se ve como el elemento que nos ayuda a eliminar todo tipo de influencias negativas, como pensamientos y actitudes, dando paso a la serenidad. 5. Las PIEDRAS son también elementos importantes en un jardín zen y simbolizan los obstáculos a los que nos enfrentamos a lo largo de nuestra existencia, pero también pueden simbolizar la experiencia, fertilidad y eternidad. Las piedras nos ayudan a aprender…

1. SENDERO

5.PIEDRAS

3. ÁRBOLES

2. PLANTAS

4.ARENA

Desde hace trece siglos, Japón diseña espacios de meditación en comunión con la naturaleza. Representan el universo y están concebidos para inspirar vitalidad y serenidad. Contemplar un jardín japonés es como sumergirse en un sueño en el que las rocas son montañas, donde la grava se modula en forma de ondas provocadas por la caída de una gota imaginaria en un estanque, y donde las cañas de bambú, al moverse, dejan oír la música de sus emociones. Como un fluir constante de sensaciones, colores y texturas, el diseño de los jardines japoneses fue concebido, hace más de trece siglos, como un instrumento para conseguir la correcta percepción de la realidad. A diferencia de los occidentales, los jardines japoneses no están hechos para pasear. Se deben irar como si se tratara de una pintura o una caligrafía, donde del desplazamiento del cuerpo y la apertura de la mente son esenciales.

"El shintoismo, el confucionismo y el zen nos enseñan que el hombre no estaría completo sin la naturaleza. Sería como un huérfano si no se sintiera hermano del agua, las plantas o las rocas,“. Los jardines secos de Kyoto. Aunque en apariencia sencillos, los jardines más difíciles de diseñar son los de piedra. Los más bellos se pueden visitar en los templos de Kyoto , donde fueron concebidos como instrumento de meditación para los monjes zen. "Estos recintos están despojados de toda suntuosidad; la grandeza reside en las cosas simples," afirma Shigemori. El arquitecto japonés Nobuhiro Nishio resume así algunas de las interpretaciones más habituales: "La tradición popular dice que las rocas representan a un tigre cruzando el río con sus cachorros. Otra teoría interpreta el jardín como los picos de las montañas japonesas asomando por encima de las nubes, o islotes en el mar inmenso". "El jardín se incorpora a la estructura de la casa, que no tiene muros, como en Occidente, sino es de papel que se desplazan para dejar a la vista el jardín. El flujo es continuo, incluso el propio jardín está limitado por setos o pequeños muros escalonados que lo comunican con el exterior". Por lo tanto, los jardines se distinguen de otros metafísicamente hablando, pero también físicamente. "Son asimétricos, como lo son el mundo y la naturaleza si fuera simétrico, el jardín no invitaría al hombre a participar, a formar parte de ese universo utópico.

LUGARES MÁS VISITADOS DE JAPÓN: 1.Tokio: 2. Nikko: 3. Kamakura: 4.Kioto: 5. Osaka: 6. Hiroshima: 7. Nara: 8. Nagasaki:

GLOSARIO: GRABADO POLICROMO:

EL TAOISMO El taoísmo es un sistema de filosofía de vida basado primordialmente en el Tao Te King que la tradición atribuye al filósofo chino Lao Tsé.​ Sus enseñanzas parten del concepto de unidad absoluta y al mismo tiempo mutable denominado Tao, que conforma la realidad suprema y el principio cosmológico y ontológico de todas las cosas.

BIBLIOGRAFÍA: http://inkultmagazine.com/blog/takao-nakawaga-pop-art-al-estilo-ukiyo-e/ http://japonismo-estilo.blogspot.mx/ http://japonismo-estilo.blogspot.mx/2010/01/japonismo-el-movimiento_06.html http://www.kaicron.com.ar/paginas/cultura_japonesa/manga/historia_manga_inicio.htm http://otonocomic.blogspot.mx/2016/10/taller-de-comic-resumen-de-octubre.html http://www.geocities.jp/general_sasaki/vivienda_japonesa_a.html https://es.wikipedia.org/wiki/Karesansui http://obrasweb.mx/arquitectura/2011/07/22/jardin-zen-diseno-interiorismo https://www.homify.com.mx/libros_de_ideas/22413/los-5-elementos-de-un-jardin-zen