Resumen 01 Teoria Del Arte Jimenez 221y48

RESUMEN Arte es todo lo que los hombres llaman arte Ilustración de Leonardo Da Vinci, La Gioconda ¿Qué es? Se encuentran respuestas “culturistas” (es La Gioconda de Da Vinci), datos historiográficos, planteamientos mínimos (una pintura, una sonrisa). Pero, hay que ir más allá: una imagen es una reproducción fotográfica. Se trata de la reproducción (que presenta fielmente la imagen) de la obra que altera las características materiales. Aun así, no se distingue la imagen de la obra. “Teoría del arte: vivimos en una cultura de la imagen, en un mundo en el que nuestra experiencia de «las cosas», de todo tipo de cosas, se funde, se superpone, con nuestra experiencia de las imágenes tecnológicamente producidas de «las cosas».” La Gioconda fue considerada una obra maestra imitada a lo largo del tiempo. Esta fue proporcionando una retórica literaria: “identificación romántica de la imagen con la figura de una mujer ideal, y que culmina en el marco de las poéticas simbolistas y decadentistas con su transformación en una figura de «mujer fatal»”. Aun así, las variadas interpretaciones no explican por qué es muy conocida esta obra y sus imágenes. Esto se debe por el hurto de la tabla de Leonardo del museo del Louvre. Como consecuencia trajo a la sociedad histeria nacionalista expandiendo la noticia por medio de las revistas ilustradas de Francia con la imagen de La Gioconda. Fue así como la imagen se fue haciendo famosa para reparar la desaparición de la misma. Además, se empezaron a reproducir en las tarjetas postales como expresión de ese tiempo. Se perdió el respeto por esa obra ya que empezaron a reproducirlas de forma erótica “Se la presenta, por ejemplo, llevando la entonces reciente «falda corta» (jupe trotteuse), y levantándola para mostrar sus piernas, como las chicas «que hacen la calle”. Apareció la obra en 1914. Un mecánico italiano la tenía debajo de su cama durante tres años. Este suceso también trajo la reproducción de esta en mayor cantidad también en ilustraciones publicadas y postales. Es aquí cuando la imagen se forma global, indistinta y uniforme. Esto da paso a la transformación del arte en la era de la imagen. Por su gran producción se introdujo a la cadena de comunicaciones de grandes masas. Todo esto dio la perdida de respeto por ella: Mona Lisa había dejado de ser una obra maestra,

un objeto venerable pero a la vez distante, para convertirse en algo próximo, cercano. Estos acontecimientos marcan de forma irreversible la entrada del arte en la era de la reproducción técnica de la imagen dando paso a que varios artistas hagan sus propias piezas distorsionadas de la Mona Lisa con distintas percepciones irónicas y satíricas: Kazimir Malevich realiza una pieza en la que pega una imagen de prensa de Mona Lisa, doblemente tachada; Duchamp hizo intervención en reproducción fotográfica pintando con un lápiz en la figura un bigote y una perilla con un anagrama L. H. O. O. Q. (ella tiene el culo caliente). Por otro lado, Duchamp transforma la imagen femenina en androgénica aludiendo a la homosexualidad de Da Vinci. Fue cuando Freud escribió “científicamente” la homosexualidad del artista. Retomando la pregunta, ¿Qué es L. H. O. O. Q.? Esto no es arte en su terminología ya que falta el ámbito de producción ya que fue una intervención en una obra ya hecha. Duchamp a este estilo (y sus obras con el mismo fundamento) lo llamó “ready-made”. Él realizó varias obras con objetos ya hechos: Rueda de bicicleta, Farmacia, el secador de botellas, entre otros. Se puede definir al ready-made como “objetos manufacturados promovidos a la dignidad de objetos de arte por la elección del artista”. La intención de Duchamp se basaba en el cuestionamiento del autor, siendo alguien que no creía en la función creadora del artista. Los ready-mades son un signo de expansión de la tecnología en la vida moderna. Asi, el arte como proceso de producción pierde jerarquía. El ready-made se considera estéticamente desde el sentido conceptual. Este está originariamente destinado a una función utilitaria, de la que puede emanciparse conceptualmente, estéticamente. Esta “transformación” ya no ve el arte algo delimitado, cerrado, dentro de un marco de especialización. Sino, materiales, soportes, temas y motivos, de uso común en la cultura de masas, dentro y fuera del arte. Cuando la obra de Da Vinci se empieza a reproducir y distorsionar se desdobla, fragmenta y distorsiona. Además, el referente no es ya la obra de Leonardo, sino su reproducción en los medios. El arte siempre ha sido objeto de deseo que solo la “alta costura” podía ver por los museos. Ahora, gracias a la reproducción,

cualquiera puede ver obras a través de imágenes convirtiendo el arte en consumo masivo y acercamiento de las masas. De esta forma el arte adopta estrategias de comunicación y consumo: llamar la atención. Hace un tiempo hubo una exposición de cuerpos plastinados (cadáveres abiertos con tratamiento biológico) se contempla como obra de arte. En principios, esto no es arte. Pero, su exposición fuera de la privacidad nos perturba y así llamando la atención consiguiendo un impacto publicístico. Esta técnica busca también recepción estética por el público. Y, encuadra en las instituciones artísticas al saber que son de verdad las sentimos más cercanas que una representación y sustituyen el cuadro o esculturas. Existen otros artistas que causaron gran polémica con sus obras en ese tiempo. Tenemos a “Sensations” (obra de 41 jóvenes artistas), la presentación de Myra con Zygontic acceleration, un collage de una Virgen María negra por Chris Ofili. El que mayor controversia cuasó por usar animales y personas disecados (en tanques de formól, muchas veces cortados en varios fragmentos) fue Damien Hirst. Estas esculturas, llamadas así por el mismo, causaron revulsión. Pero, Hirst quería hacer pensar: despertar una sensibilidad cada vez más adormecida ante todo de imágenes, por muy duras o impresionantes que estas sean. De nuevo, no es fácil responder si esto es arte. Al arte no le podemos poner límites porque siempre está cambiando con el tiempo. Cada época ha entendido el arte de una forma diferente. En artes plásticas la proliferación de procedimientos de producción de imágenes característica de nuestro siglo: fotografía, diseño, publicidad, medios de comunicación, cine, cómic, vídeo, técnica digital... han transformado profundamente y desde hace ya bastante tiempo esa situación. Esta es un hibridaje de diferentes soportes y técnicas revelando la continuidad y comunicación del arte con la cultura de nuestro siglo. Otros ejemplos de personas que han causado controversía: Piero Manzoni (Mierda de artista), Darío Villalba en su serie de «encapsulados, Joseph Beuys con América me gusta y yo le gusto a América, etc. Ahora es común ver que usen el cuerpo o sus fluidos, utilización de animales para crear consciencia. El arte más reciente usa animales vivos o muertos para eliminar la representación por la realidad. Ahora, el arte forma parte de aquellas propuestas planteadas en el marco de la «institución arte», tal y como esta se configura en nuestro tiempo. Por esto, debemos saber ejercerla con

independencia ya que no posee un código único. Nuestro juicio debe formarse desde una actitud abierta, independiente de prejuicios. “El arte ha ido adquiriendo un status de plena libertad expresiva: no hay un «canon» previo, predeterminado, ni puede haberlo”.

Invención del arte El arte no es universal ni eterno. El arte apareció en los sentidos de la Antigua Grecia. Este se trata de un deslizamiento conceptual y teórico. El arte es una convención cultural, dependiente siempre de los cambios y modificaciones de los contextos culturales en los que se inscribe. La terminlogia latina de ARTE denota habilidad empírica, tanto mental como manual (no a las bellas artes como se entiende ahora), y abarcaba actividades tan diversas como la artesanía, la medicina, la navegación, la pesca o la estrategia militar. La techne, terminología latina, se define según Aristóteles «Nace la téchne cuando de muchas observaciones experimentales surge una noción universal sobre los casos semejantes». Aristóteles quería fusionar dos dimensiones de lo real: la physis (la naturaleza, lo que es) y la technai (lo artificial, lo si/no posible). Lo technai tiene que ser ontológico a lo natural. Quiere decir, imitar a la physis, lo natural. Esto implica que: “conllevan un razonamiento productivo, pueden hacer algo como lo que es, o incluso ir más allá: producir algo que no se encuentra en la naturaleza”. Es decir, la razón productiva (la técnica) y el razonamiento. En la época del Clacicismo, se distinguían un grupo llamado mímesis. Significaba que tenían el don de producir imágenes por la imitación. Para que el mundo Griego antiguo llegara a la similitud entre distintos tipos de producción de imágenes tuvo un largo proceso que permitió establecer un nexo de comunicación entre la palabra: verbal y escrita, y la forma plástica. Con la consecuencia, terminar estableciendo un uso representativo percibido como equivalente, un uso no práctico, ni teórico, del lenguaje, el sonido y las formas visuales. La cultura griega y los valores Homéricos Las obras la Iliada y la Odisea forman una imagen de cómo debe ser el guerrero. Aquí se presentaron los nuevos valores de la sociedad futura (guerrera o heroica). Esto también se muestra en los cantos de gestas, donde el héroe debía ser inteligente, apariencia viril y evitar todo deslizamiento. En estas se presenta la figura del humano

con un límite que sólo puede alcanzarse y mantenerse con gran dificultad. Esta imagen debe ser puesta bajo control, ajustarse a un ideal colectivo de comportamiento, capaz de servir como guía de toda acción y como muralla de contención de las transgresiones siempre posibles. La mezcla de Arete y Agon (competición atlética o poética, sino también un juicio, una batalla) buscaba la perfección por el esfuerzo, permite comprender mejor la exaltación del cuerpo, del vigor, de la belleza y la perfección corporal. Y, esto se presentaba posteriormente en las pinturas y esculturas. Através de sus poemas, Homero “construye un espejo simbólico donde quedan fijados los límites del mundo y de la vida, donde los hombres del presente y su mañana pudieran encontrar la nitidez de una imagen de lo humano a la que poder ajustar su comportamiento.” Memoria, verdad y poesía “La palabra poética es, en efecto, solidaria de dos importantes figuras míticas: la Musa y la Memoria, en cuyo entramado de correspondencias encuentra su espacio la Alézeia, la Verdad (cfr. Detienne, 1967, 22).” La palabra poética es un don divino (servidores de la musa). La musa era lo que les daba al poeta un canto hermoso. Tambien, la palabra poética era complementaria del ejercicio de la soberanía. La aleiza, la verdad, retención de todo aquello que escaparía a los hombres. Del mito al logos, del ritual de la imagen Inicia un proceso social y político que supondrá una auténtica revolución cultural, y el debilitamiento progresivo de la figura arcaica del poeta, así como de las categorías míticas y religiosas que sustentaban su preeminencia social. Es el momento histórico en que pueden situarse también las raíces de la polis, de la ciudad-Estado. Aquí aparare el Clolosso, no una imagen, sino un “doble” de lo muerto como figuras de reemplazamiento. LA PALABRA Funci ón

Tipos Carácter Intelect uales

Ideal cultur al

Época Simbó Arcaica lico(SIGLO x-vii religio A.C.) sa

Época Laica Clásica (SIGLO vii-v A.C.)

Adivinac Ambiguo ión , Sacerdo metamò rfico cio Soberaní a Poesía Los Práctico sofistas Precisión —> ,

La ARE TE

LA PAID EIA i LA conocim La DEMOC iento: filosofía Teoría RACIA ->

La autonomía de la representación La representación tenía una funcionalidad principalmente ritual, ceremonial, e incluso comunicativa en el caso de los jeroglíficos egipcios. La escritura alfabética habría permitido a los griegos no sólo emancipar la palabra de su determinación religiosa, sino también emancipar estéticamente las formas plásticas. Para poder llegar a esto hay dos condiciones: la emancipación del símbolo del ritual, la transposición de la imagen a un contexto civil, laico; pero a la vez, de forma simultánea, que en lugar de contemplar la imagen como un dispositivo de evocación, que permite propiciar la aparición de lo ausente. El universo de la imagen Primero es la vida, la experiencia. Habia afinidad entre las imágenes de dioses y hombres basada no ya en la evocación o el parentesco, sino en la forma entendida en un sentido general.