Indice

copertina titolo Colophon Caratteristiche del segno zodiacale Conversazioni notturne a Gerusalemme La Sorella Ragazza in un giardino Da domani mi alzo tardi Morte a Venezia Mutandine di chiffon Sollevarsi in volo verso la sfera dell’ideale e della trascendenza Lo potevo fare anch’io La signora Dalloway Il segreto È di moda la morte Opinioni di un clown Padri e figli Romanzo sentimentale

Bibliografia

acquario maria grazia mezzadri cofano

Società Editoriale ARPANet

piccola biblioteca per acquari curiosi libri &

segni

Copyright © 2014 Società Editoriale ARPANet Srl, Milano Tutti i diritti su testi, marchi e immagini sono riservati. Prima edizione: aprile 2011

via Stampa, 8 20123 Milano tel. +39.02.670.06.34

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.IX. acquario Collana Libri&Segni Collana diretta da: Paco Simone

Art director: sca Fasoli In copertina: (Hans) Sebald Beham (1500-1550): “Marte”, da “I Sette Pianeti con i Segni dello Zodiaco”, 1539 (bibliografia: Bartsch 116; Pauli, Holl. 118).

Segno: Aria Governo del segno: Urano e Saturno Colore: grigio Mito: Ganimede, rapito da Zeus Caratteristiche Insofferenza verso legami duraturi e vincoli di qualunque tipo. Capacità di sfida continua. Curioso, adattabile, opportunista, dotato di intelligenza superiore. Fra gli scrittori sono dell’Acquario: Ugo Foscolo, Giulio Verne,Charles Dickens, Lewis Carrol, August Strindberg, Colette,Virginia Wolff, James Joyce, Boris Pasternak, Bertold Brecht.

elargisce la sua sapienza dilatando il suo Io a contenere l’Universo intero

Conversazioni notturne a Gerusalemme

Carlo Maria Martini Un libro da tenere sul comodino, da consultare, da meditare, da rimeditare, da discutere. Una conversazione semplice e chiara sui grandi problemi che l’uomo affronta tutti i giorni e nei momenti della verità, quei momenti in cui si concede una possibilità di rimanere solo con se stesso e con quel suo io profondo che oramai, e sempre più spesso, non ritrova. Queste meditazioni del cardinal Martini potrebbero essere una spinta a indagare in noi stessi perché, con lui, ci si può abbandonare. L’unica cosa che mi sono domandata spesso, durante la lettura: un uomo come Martini, filosofo, studioso, può credere veramente tutto quello che dice? Quando sostiene di rivolgerci a Gesù, di avere Gesù come riferimento permanente, crede veramente in quello che sostiene o è un ruolo che gli impone la sua posizione di religioso? In un’epoca in cui tutto si sfalda, si distrugge, si annienta, si brutalizza, può esistere un uomo, tanto amato e considerato dalla comunità cristiana, con le immense convinzioni che il cardinale ci trasmette? Mi piacerebbe poterglielo chiedere. E come mi risponderebbe? Forse non mi risponderebbe o la risposta sta nel suo isolamento a Gerusalemme? Comunque, il cardinal Martini dice così tante cose di cui abbiamo bisogno: sull’amore, sulla fede, sull’ingiustizia e sulla Chiesa, che, anche con poco, ci aiuterebbe a rimettere insieme i cocci che ci circondano.

spirito attratto dalla ricerca, dalla speculazione filosofica

La Sorella

Sandor Marai La sorella è il romanzo scritto nel 1946 da Sándor Márai dopo Le Braci e prima dell’esilio in America. Il tema è insolito rispetto a ciò che abbiamo letto finora nei romanzi di Márai. L’uomo di fronte a una grave malattia e la riflessione conseguente: qual è il senso della malattia? Non viene mai pronunciato il nome della malattia come non viene mai pronunciato il nome del malato: sono universali, ci vuol dire lo scrittore. Lo sfondo storico del romanzo è il periodo che precede la Seconda guerra mondiale: una tragedia annunciata ma non ancora esplosa. Il viaggio che il protagonista, Z, affronta in treno, si svolge ancora in un’apparente sensazione di benessere e di privilegio. Z è un celebre pianista e va a Firenze per un concerto. Non è certo un caso la scelta della città simbolo della bellezza contrapposta all’immagine della distruzione che si profila all’orizzonte. Quella sera d’autunno, quindi, Z suonerà a Palazzo Pitti, pronto a donare bellezza in quella “celebrazione” che è il concerto. Ma dopo il concerto, Z sta male. E qui Márai entra nel racconto della malattia. Ne conosce i percorsi, sembra, le crudeltà, le angosce. Il dolore che prende al mattino si trasforma durante il giorno: la luce che incoraggia a lottare e la notte, il buio e il silenzio che lo fanno diventare subdolo. «Così anche il dolore si acquatta, perché il malato raccoglie tutte le sue forze e urla contro il carnefice che ne ha abbastanza, che deve smetterla…Ora bussa da questa parte, ora abbassa una maniglia un po’ più in là. Gli interessa tutto, gli

occhi, le orecchie, lo stomaco, la regione cardiaca .Alla fine si annoia e per un po’ scompare. Come se fosse andato via. Dove si nasconde in questi momenti?…». Sono entrata in questo libro con amore, con sofferenza, con i ricordi. Come non amare pagine tanto intense e drammatiche su una condizione che ho conosciuto bene? La malattia di Sylvie, l’Aids. La prima che mi ha messo a confronto con un male senza rimedio. La malattia di Carlo, l’Alzheimer. Per quattordici anni mi ha tenuta legata facendosi accettare come “normalità”, come “ordine”, nel ripetersi dei gesti, delle cure, dell’assistenza. Infine la mia malattia, il tumore, esploso come un tuono quando l’ “ordine” ormai si era stabilito con le altre malattie. «La malattia non è altro che un’offesa all’ordine cosmico» dice un medico a Z «La malattia è una condanna» perché Dio si è allontanato dall’uomo. È questa la tesi che sentii sostenere dal primario della clinica tedesca nella quale mi ero rifugiata per riprendermi dalle cure devastanti. Mi ribellai. Non potevo accettare “anche” quella condanna. Cosa voleva ancora la vita da me? Solo molto tardi mi aveva dato la serenità e si era affrettata a togliermela attraverso la malattia di mio marito. Mi aveva dato la “mia” malattia e voleva che accettassi “anche” la condanna? E non poteva, invece, la mia malattia, essere un grido di dolore per dire al mondo “Basta, non posso più sopportare, la misura è colma?” Márai pensa la malattia come un “aguzzino cinese.” E perché non comunista? Gli chiederei io. Ma il cinese lontano è più misterioso, più crudele per un borghese come Màrai. Z rimane in una stanza d’ospedale molto confortevole ma che non gli permette di guardare fuori: c’è un muro di cinta. L’arte di Firenze, pur così vicina, non può soccorrerlo neppure facendosi spiare. No, la malattia è gabbia, solitudine, è la fine della “menzogna”, la fine di quella “rappresentazione” che è la vita. Giù l’abito di scena. C’è solo la verità.

Il pudore può esistere soltanto dove ci sono desiderio e senso di colpa e la malattia soffoca sia l’uno che l’altro. È possibile una situazione più confidenziale, più assoluta, più sincera di quella di un corpo davanti a quelle quattro donne, nel suo stare tra la vita e la morte? Z è assistito da quattro suore, le Sorelle appunto. L’intimità che si crea fra il corpo del malato grave e chi se ne prende cura…. Ma il corpo malato non ha segreti…. Come non ripensare al mio essere “Sorella” accanto a Carlo? Al suo corpo, che tanto avevo amato nell’amore, abbandonato al bisogno di essere curato e assistito? Quante volte, quando lo sollevavo dai cuscini, l’ho pensato come il Cristo nelle braccia di sua Madre. Quante volte, la pietà per quel corpo mi ha spinta a baciarlo, accarezzarlo, stringerlo e profumarlo. Conosco l’essere Sorella, conosco quel sondino di gomma infilato impietosamente nel naso per obbligare quel corpo a nutrirsi, a vivere. Conosco il colore di quel liquido denso color cannella che doveva obbligare quel corpo a non arrendersi. Márai mi ha riportato a tutto questo con la forza della sua straordinaria capacità narrativa. Poi, questa narrazione sulla malattia ritorna a un tema molto caro allo scrittore, l’amore. E ci ritorna facendo della malattia la metafora dell’incapacità di reggere a un amore difficile, senza speranza, che avvelena chi lo vive. Liberarsi di quella malattia d’amore vuol dire guarire? E quella lotta, o marcia, non era la malattia ma la vita intera. Questo pensa Z quando è sicuro di voler morire. Ma c’è una voce femminile, una delle sorelle (ma quale delle quattro?), che gli dice: Non voglio che lei muoia. E lui pensa che sia una energia femminile che sta lottando per lui. E non può resisterle. È più forte del suo desiderio di morire, quell’energia.

È stata la mia energia a tenere Carlo in vita per tanti anni, a non permettergli di arrendersi alla devastazione? Non lo so. Certo è che anch’io gli dicevo:«Non voglio che tu muoia». E lui non è morto fino al momento in cui ho capito che non potevo più chiedergli tanto dolore e tanto eroismo. Perché vivere è una grande responsabilità. Ma ci pensi: vivere tra la gente!… Sono molti quelli che non ce la fanno. Quanti interessi! La noia, la vanità, l’ambizione, i sensi, e dietro ogni cosa si nasconde la morte…Chi riesce a sopportare tutto questo rimanendo sano in ogni momento?

in bilico tra regola e trasgressione, tra conservazione e distruzione

Ragazza in un giardino

Anne Tyler Vi abbiamo solo voluto bene e cresciuto facendo del nostro meglio. Avremo commesso qualche sbaglio, ma mai di proposito. Cos’altro volete? Non faccio che pensarci. Ho fatto qualcosa di sbagliato io? O magari è qualcosa che non ho fatto? Di notte, quando eravate a letto, puliti dopo il bagno, provavo un tale… rimorso. Dispiacere. Ripensavo a ogni parola brusca. E adesso è come una lunga notte, provo dispiacere per qualsiasi cosa possa aver fatto, solo che non ho facce nuove con cui cominciare la mattina dopo. Sono qui sola, che soffro per voi, e non so ancora cos’ho fatto di male. Ma è stata colpa mia? Veramente? È lo sfogo della signora Emerson di fronte ai suoi figli, sette, che sono tutti adulti, lontani e sembrano indifferenti, insofferenti alle sue premure, alle sue sollecitazioni, alla sua vecchiaia, alla sua solitudine. Il rapporto madre e figli. Com’è difficile e irrisolto! I figli vogliono essere messi al mondo, essere allevati e sentirsi liberi. Non vogliono legami se non quando ne hanno bisogno. Perché dovrebbero preoccuparsi dell’amore che le madri sentono per loro? È acquisito. C’è. È giusto che ci sia, è il dovere di chi ti ha fatto nascere e voluto. Perché un figlio, impegnato nella sua lotta per la vita, nei suoi problemi di crescita, di adattamento al mondo, dovrebbe anche pensare a esprimere amore e gratitudine alla madre? I figli: perché dovrebbero preoccuparsi dell’amore che le madri vorrebbero ricevere? Affettuosità, anniversari, ricorrenze, compleanni. Tutte cose che interrompono la vita e procurano un senso di pesantezza e di noia. Si sa già come gli incontri si svolgeranno, cosa ci sarà in tavola, cosa si diranno i fratelli. La madre: perché questo bisogno di essere amata, di avere attenzione da quelli che per lei sono il significato di anni di dedizione, di rinunce, di giovinezza

accantonata per curare e seguire? Sì, d’accordo, ma non se ne può fare a meno o rinviare, rinviare, rinviare? Ci sarà tempo, un altro giorno. Madri e figli. Un rapporto difficile e irrisolto. Anche quando una madre rinuncia a chiedere, pensa che non le si dia nulla di cui lei ha bisogno. Ormai, a partire da un certo momento, non sarà più il compagno che la riscalderà. E se poi il compagno se ne va, come nel caso della signora Emerson, che ne sanno i figli della sensazione di finire la giornata da sola, senza un abbraccio e senza una mano da stringere? Con i rumori strani dei mobili, delle pareti, delle porte, che ci sono sempre stati ma che ti sembrano nuovi e inquietanti? E anche quando un figlio rinuncia a chiedere aiuto, pensa che comunque il suo comportamento sia eroico, perché risparmia alla madre le sue pene. E si sente in debito, sa che potrà riversargliele in una volta sola, nel momento che gli servirà di più, perché, a travasarle, lo farà sentire più leggero. Madri e figli. Un rapporto difficile e irrisolto. Nel caso della signora Emerson interviene una ragazza enigmatica, problematica, che scombussola gli equilibri dei rapporti tra i fratelli, procura danni con la sua incapacità di esprimersi, ma che - e francamente io non l’ho capito - diventa il punto d’attrazione e di attenzione di tutti. Ragazza in un giardino sembra un libro leggero, scritto con grande disinvoltura e piacevolezza, ma che porta - almeno a me ha portato - riflessioni umane sui meccanismi che regolano l’interno familiare.

insofferenza verso i legami duraturi

Da domani mi alzo tardi

Anna Pavignano Ho sempre avuto delle riserve nei confronti dei compagni o degli amici di persone celebri scomparse prematuramente, nel momento in cui scrivono della loro vita e dei loro ricordi con la persona scomparsa. È un’esibizione o è il bisogno vero di partecipare agli altri la loro esperienza? Personalmente, se mi trovassi in una simile situazione, starei zitta, assolutamente zitta e terrei per me i sentimenti, i ricordi, le nostalgie. Ma non tutti si assomigliano e questa differenza va accettata, com’è ovvio. Anna Pavignano, compagna di vita e di lavoro di Massimo Troisi, ha voluto farne una sceneggiatura della sua storia con Massimo a discapito della spontaneità e della sincerità. L’ha costruita, l’ha composta, l’ha resa finta tanto sembra preoccupata della forma che vuole dare al racconto. Il grande, grandissimo Massimo, quel delizioso e intelligente comico, che comico però non era per la profondità delle sue analisi sugli esseri umani. Che fossero napoletani, i suoi protagonisti, alla fine contava ben poco. Quanti si possono riconoscere in quei personaggi? Sono universali, secondo me. In compenso, la parte interessante del libro è il personaggio di Troisi che emerge in modo tenero: la vita o la racconti da vecchio o la fai raccontare a un altro. Non vi sembra di vederlo, in una stanza da letto anni ’40, nell’imbarazzo di dire a qualcuno questa battuta? La malinconia che si portava dentro sapendosi malato di cuore, la smania di avere donne e non prendere mai una decisione sui rapporti con loro, la rinomata pigrizia che si legava alla malattia e al bisogno di “risparmio”. Un uomo complesso, drammatico, infelice, sempre con la misura giusta, con la comicità intelligente del vero, grande attore. Indimenticabile.

Ho amato moltissimo questo “essere umano”, fin dall’esordio. Vedo e rivedo i suoi film, i suoi siparietti, e tutto quello che è stato pubblicato di lui continuando a divertirmi e a riflettere, spesso, su momenti diversi. Morire giovane, per una persona di talento, è assicurarsi l’eternità. Chi potrà mai metterlo in discussione?

tutto è messo in discussione in una continua alternanza di esaltazione e di scoraggiamento

Morte a Venezia

Thomas Mann Mann scrive questo breve romanzo nel 1912. La morte a Venezia prende un posto significativo nell’opera letteraria di Mann perché conclude il periodo della ricerca giovanile e prelude a quella che sarà la sua maturità di scrittore. Appena pubblicato ebbe favorevoli commenti. Cesare Cases scrive: “Nessun dubbio che dentro questo racconto e nei suoi dintorni immediati ci sia molta cultura, pressocchè tutta; ma anche nessun dubbio che non c’è bisogno di cultura di sorta per intenderne il significato e la portata”. Potrebbe essere ritenuto il primo romanzo di letteratura gay. Un cinquantenne famoso scrittore tedesco, Gustav Aschenbach, nota, alla fermata di un autobus, vicino al cimitero di Monaco, un uomo che gli sembra uno straniero. Viene preso da un gran desiderio di partire e decide di andare in vacanza all’estero. Dopo una prima destinazione che non lo appaga, cambia itinerario e va a Venezia. L’arrivo a Venezia viene segnato dall’incontro, sul battello, di uno sgradevole uomo dagli atteggiamenti giovanili, che lo disturba molto e, all’arrivo, da un gondoliere che si oppone all’itinerario che Aschenbach gli chiede di seguire. In realtà si tratta di un gondoliere truffaldino che, per non incappare nella polizia, lo sbarca e va via senza farsi pagare. L’Hotel des Bains al Lido è la destinazione. L’accoglienza da parte del direttore è quella riservata ai clienti di riguardo. La stanza è confortevole con vista sulla laguna e l’ambiente sembra quello che lo scrittore si aspettava: elegante e agiato. Solo il tempo non è bello. Il grigio e l’umidità lo rendono insopportabile.

Già la prima sera, nella sala da pranzo, Aschenbach nota una famiglia, che capisce essere polacca, composta da una bellissima madre, da una governante che segue due scialbe ragazzine e da un giovane dall’aspetto incantevole, biondo e delicato, che attraversa la sala con grande eleganza e riservatezza. Il ragazzo si chiama Tadzio e diventa, nel corso dei giorni, una vera ossessione per Aschenach. Lo segue, lo spia, lo invoca, lo ama. C’è una epidemia di colera che si sta diffondendo in Europa e che, da certi atteggiamenti della gente di Venezia, Aschenbach capisce essere arrivata anche là. Ma l’omertà dei veneziani nel non denunciarla è totale. Aschenbach cerca di andarsene, ma un contrattempo nella spedizione del bagaglio, lo fa tornare indietro. In realtà è quello che voleva. Da quel momento è in balia della sua ione per il ragazzo, tanto da accettare che il barbiere, dal quale va sempre più spesso, lo trucchi e gli tinga i capelli per sembrare più giovane. Venezia ormai è semivuota per l’epidemia e la situazione sanitaria è aggravata dall’umidità. Aschenbach capisce d’aver preso il colera, ma va in spiaggia ad aspettare di vedere ancora Tadzio. Lo vede lottare con un amico, e sullo sfondo di un cielo grigio, e mentre le forze lo abbandonano, crede di capire che Tadzio, come Ermes, guida delle anime, gli indichi un punto lontano nell’orizzonte. Un punto al quale lui approderà. Come è noto nell’opera di Mann gli elementi autobiografici hanno un grande spazio. Nel 1911 Mann era stato in vacanza con la moglie al Lido di Venezia. Lì lo aveva raggiunto la notizia della morte di Mahler, che lo scrittore ammirava molto. E siccome aveva già in progetto La morte a Venezia, dette il nome di Mahler al protagonista. Tadzio: sembra sia vissuto davvero e fosse un barone polacco, Wladislav Moer. Era stato in vacanza a Venezia con la madre e le sorelle quando era adolescente. Nel 1964, quando ormai Mann era morto, fu pubblicato il libro La vera storia di

Tadzio di Gilbert Adair che sosteneva come il barone avesse notato un vecchio che lo guardava in spiaggia. Aveva saputo molti anni dopo che Mann aveva scritto un libro su di lui, e si era affrettato a dire la sua verità. L’omosessualità presente nel romanzo. Sembra che Mann, adolescente, fosse stato innamorato di due compagni di scuola, a 52 anni di un ragazzo di 17 e a 75 anni di un giovane cameriere di un albergo di Zurigo. Nulla è stato provato. Mann, apparteneva a un ambiente alto borghese che non gli avrebbe consentito, nel 1912, un innamoramento omosessuale. Si suppone, quindi, che esercitasse una rigida autorepressione moralistica su se stesso. Mann comunque, in una lettera scrive che “La morte a Venezia è stata una esperienza lirica e personale”, “Niente è inventato”, “Non solo diedi al mio eroe che precipitava in una orgiastica dissoluzione, il nome del grande musicista, ma, nella descrizione del suo aspetto, gli prestai anche la maschera di Mahler”. Gustav Aschenbach: Mann ne parla nel primo capitolo ma solo nel secondo ci dice che è uno studioso famoso di famiglia alto-borghese. Lo descrive fisicamente solo dopo aver a lungo parlato del suo sviluppo intellettuale. Aschenbach è un uomo virtuoso, soddisfatto di sé e del ruolo autorevolee severo che svolge nella società. Quando si sente in balia della ione peccaminosa si guarda allo specchio, si trova vecchio e si rassicura pensando alla sua notorietà di studioso. Quel pensiero è una compensazione. Come pure nel turbamento che si impossessa sempre più di lui, pensa ai classici, agli dei, ai miti greci per aggrapparsi a delle autorevoli giustificazioni. Io, come loro, pensa evocando Socrate e Fedro. Due volte pensa a Zeus trasformatosi in aquila che rapisce il bellissimo pastorello Ganimede. Mann conosceva il quadro di Rembrandt in cui Ganimede è dipinto come un putto piangente che fa la pipì mentre viene rapito? La bellezza perfetta di Tadzio, il suo portamento discreto, sono in contrapposizione alla sconcezza che Ascenbach sente emergere in lui. Nel ragazzo non c’è complicità. Forse nota quel vecchio signore ma il suo

pensiero è puro. Non pensa di suscitare una ione. Aschenbach ha un momento in cui è tentato di avvicinarlo e parlargli ma si ferma preso dal senso del ridicolo. Tadzio è, per Ascenbach, l’incarnazione del rimpianto per una giovinezza non vissuta, per una stagione della vita che per lui era stata piena di regole e rigidità, doveri e responsabilità. Se Aschenbach avesse avuto la possibilità di avvicinare il ragazzo e di averlo con sé, dubito che avrebbe commesso atti sessuali. Si sarebbe fermato alla contemplazione della sua bellezza. I personaggi secondari sono molto interessanti: l’uomo del cimitero che provoca il bisogno di Aschenbach di partire, l’uomo del battello che infastidisce Aschenbach con la sua maschera da giovane mentre è un anziano (ciò che farà Aschenbach truccato dal barbiere), e l’uomo della gondola, ostile e disonesto. Tutti e tre i personaggi sono sgradevoli e creano un grande disagio nello scrittore. Tutti e tre mostrano i denti, quasi fossero pescecani. Gli italiani vengono descritti servili e viscidi, canaglie e ruffiani. Dal direttore dell’albergo al cantante napoletano che si presenta sulla terrazza dell’albergo l’ultima sera, con i suoi modi osceni di cantare, di parlare e di chiedere soldi. Mann lo definisce “mezzo magnaccia e mezzo commediante.” In Mann c’è un grande disprezzo per questa gente alla quale imputa l’omertà di non rivelare la verità dell’epidemia. Venezia è anch’essa un personaggio sgradevole, specchio dei sentimenti di Aschenbach, rappresentazione della decadenza con un clima insopportabile, i cattivi odori dei canali, la sporcizia diffusa, la gente infida. “Bellezza adescatrice ed equivoca.” Paesaggio esteriore e paesaggio interiore. Tutto l’essere borghese di Mann viene fuori con grande, compiacente snobismo. I simboli: -la gondola dell’arrivo: una bara con un traghettatore; -la macchina fotografica abbandonata sulla spiaggia mentre Ascenbach muore: è

la vista, il senso a cui ha ceduto Ascenbach nella contemplazione della bellezza del ragazzo; -il trucco grottesco con il quale muore: la maschera nella quale si rifugia per non riconoscersi. Per non accettare la rivelazione della sua omosessualità e dei suoi desideri, inaccettabili per un uomo dalla sua reputazione. -la lotta tra i due ragazzi: il rapporto omosessuale mimato. Nella storia c’è la lotta tra la ragione e l’istinto: la ragione che salva e l’istinto che distrugge. Il protagonista infatti soccombe ai suoi istinti. La scrittura ha uno svolgimento su due piani: l’autore che con freddezza guarda il suo personaggio nel suo disfacimento, mentre Ascenbach è il lucido e morboso testimone della tragedia che vive. C’è una misura classica e una moderna tra il decadentismo del primo novecento e l’avvento dell’espressionismo che nasce dall’esigenza di rappresentare la società emergente e smascherare la fine della realtà borghese ancora apparentemente solida. Mann si serve spesso delle similitudini per rendere le situazioni Mi ha colpita il aggio improvviso dall’imperfetto al presente e dal ato remoto al presente come a dare la sensazione dell’immediatezza, dell’urgenza dell’azione. Poi il ritorno al ato remoto. Da un certo momento in poi Mann spersonalizza i due personaggi principali, come volesse dare valenza universale al dramma che vivono. Non li chiama più con il loro nome: Aschenbach diventa il solitario, il frastornato, l’infelice, lo sviato, l’innamorato, l’incanutito, l’uomo anziano, l’ottenebrato e Tadzio il bello, l’adorato, il bel mingherlino. Il film Rileggendo La Morte a Venezia mi sono resa conto della perfezione del film di Visconti. Ogni personaggio, ogni ambiente, ogni dettaglio è rappresentato con una fedeltà assoluta. Il libro sembra scritto dopo il film. L’ adagietto della 5° sinfonia di Mahler è un ulteriore omaggio di Visconti a Mann.

C’è solo un’atmosfera che non condivido. Nel film sembra quasi che Tadzio sia malizioso e che assecondi l’attenzione di Ascenbach. Sembra che lo provochi, per esempio, quando Ascenbach lo segue nei vicoli. Nel libro io non trovo nessuna complicità del ragazzo, ma Tadzio, come tutti i ragazzi della sua età in una situazione così rigorosa come quella imposta dalla sua educazione e dall’ambiente dell’Hotel des Bains, si guarda intorno, si annoia, gioca quando può. Nota il signore anziano, come uno dei clienti dell’Hotel, senza dargli mai particolare attenzione. Tadzio è solo il delirio di Aschenbach. È la competizione con la morte che sente incombente.

carico delle esperienze accumulate, tende a liberarsi dai condizionamenti terreni e a creare nuovi valori

Mutandine di chiffon

Carlo Fruttero Se arriva a novanta anni, uno scrittore di successo, specie se il suo successo è popolare, la sua scrittura leggera, piacevole, comunicativa, non può fare a meno di scrivere le sue memorie. L’inconveniente è, pur nella piacevolezza della lettura di uno stile spigliato, che queste memorie sono tutte uguali. Chi oggi ha novanta anni, ha vissuto inevitabilmente il periodo fascista, la guerra e il dopo guerra, la ricostruzione, il cambiamento dei costumi e della società e, infine, essendo uno scrittore, la nascita delle case editrici (oggi purtroppo smembrate). E, che siano del nord o del sud, questi novantenni raccontano del loro paese d’origine descrivendone i personaggi, i comportamenti, i giochi da bambini, le case, l’alimentazione e così via. Risultato: la gran parte di queste storie, si assomiglia. È evidente che l’Italia di quell’epoca si somigliava tutta. I personaggi erano molto simili, l’andamento della vita era improntata al risparmio, i comportamenti erano riservati, le vacanze limitate, i rapporti genitori-bambini, severi. Ma questi novantenni credono di raccontarci delle novità, o, come è probabile, hanno ancora voglia di vedersi pubblicati, intervistati e, sperano, letti. Forse è una “malattia” dalla quale non si guarisce. È quello che ci dà il libro di Carlo Fruttero. L’idea brillante è nel titolo che si riferisce a una canzone: Mutandine di chiffon, sentinelle sentinelle del pudor, difendete dall’amor la trincea della virtù. Ma un attacco può scoppiar… qualche assalto ci può star ed allor voi diventate… mutandine mutilate. Che è dell’epoca di Balocchi e profumi , all’incirca, ma con un ammiccamento ben diverso.

Dunque, la storia di Fruttero, la sua infanzia, la sua adolescenza, la sua giovinezza e il suo rapporto con Lucentini, di cui fa un breve ritratto. Si sente che c’è stata una lunga e profonda amicizia perché tutto è dosato, elegante, affettuoso. Lo sguardo affettuoso di chi ha voluto bene davvero e tollera, con grande benevolenza, pregi e difetti della persona conosciuta a lungo. È incontestabile che lo stile di questo, storico ormai, autore di tanti romanzi risulta leggero e disinvolto, sicuro e arguto. Ma, se non dovessimo leggerlo, cosa ci succederebbe?

Sollevarsi in volo verso la sfera dell’ideale e della trascendenza

Il mondo dipinto Stefano Zuffi Uno storico dell’arte sa, di un dipinto, tutto ciò che noi, solo amanti dell’arte, non possiamo sapere. Uno storico dell’arte sa cosa pensava il pittore mentre si metteva in relazione con un’opera, sa cosa c’è stato nella vita privata dell’opera, sa chi l’ha voluta e amata e chi l’ha contrastata. La vita privata di un dipinto, essenza del dipinto stesso, si è sbiadita con il are degli anni e non può arrivare a noi, solo amanti dell’arte. Lo storico invece a la sua vita a scavare, a spiare in ogni opera, a collegare i dettagli, a interpretare. E, se ci dice quali segreti possiede, siamo davvero fortunati. Questo è il fascino de Il mondo dipinto. Stefano Zuffi ce li confida i suoi segreti. Fa parlare Leonardo e Michelangelo, Raffaello e Picasso, Turner e Kandiskji e ci mette a parte delle cose segrete che hanno sentito, detto e pensato mentre si preparavano a dipingere. Michelangelo, per esempio, era molto contrariato di subire l’autorità di Giulio II quando gli fu ordinato di dipingere la Cappella Sistina. Solo, in una posizione assurda ore e ore, lui e il soffittone, lui e la fatica improba di dover tenere i tempi che il papa gli aveva ordinato. Lui, Michelangelo, voleva scolpire, non dipingere. Eppure, avrà mai immaginato, in quelle lunghissime ore di lavoro, quanta

bellezza ha donato all’umanità? E contemporaneamente Raffaello, innamorato della Fornarina, dipingeva, sempre per il papa Giulio II, La Madonna Sistina. Un secolo dopo, Cornelia, figlia del capitano Frans Cocq, ci racconta come è entrata nella Ronda di notte, con un luminoso abito giallo. Rembrandt aveva voluto la bambina perché i bambini sono la cosa più bella e delicata che ci sia; e poi così potrò fare anche un piccolo scherzo al capitano. Oggi, è incredibile pensare questi geni come essere umani, pronti a innervosirsi o a fare scherzi. Siamo così lontani dalla magia di “quella” bellezza e quando uno storico dell’arte ci fa entrare in quel mondo, ci dona momenti di vero incanto. Dobbiamo proprio dirgli “grazie”, e chiedergli: racconta ancora.

vivere nel mondo delle idee, in una dimensione intellettuale e spirituale

Lo potevo fare anch’io

sco Bonami Da che esiste, l’arte non è stata infatti usata solo per descrivere gli aspetti esteriori e più piacevoli dell’esistenza, ma anche e soprattutto per raccontare l’intera realtà, nel bene e nel male. È servita alla religione, alla politica, all’amore, alla psicanalisi, al potere, alla violenza per dar forma a idee, follie, sogni e realtà che senza di essa non avrebbero mai potuto trovare espressione. Con questa premessa, il saggio di un grande critico dell’arte dovrebbe essere letto da tutti. Soprattutto da coloro che vanno in gruppo a vedere le mostre, che si trasferiscono da un museo all’altro, che fanno lunghe file per partecipare a un evento di cui, molte volte, non trovano il significato. sco Bonami, con grande semplicità e spigliatezza e competenza, ci fa ragionare sull’arte contemporanea, facendoci capire che non è importante intendersi d’arte, ma è importante avere una mente aperta. Perché è la disponibilità intellettuale, è la capacità di sentire emozioni che ci porta dentro un quadro di Andy Warhol o di Pollock o di Fontana o di Lucien Freud e in una scultura di Duchamp o di Koons o di Cattelan. Molti di questi artisti sono stati contestati, sono tuttora messe in discussione le loro partecipazioni a mostre e in musei. Ma non è lo stesso percorso che fecero gli impressionisti, costretti a inventarsi il Salon des refusés e con loro molti altri artisti diventati famosi dopo la morte? Ogni tempo ha le sue espressioni d’arte, ogni tempo affida all’arte la rappresentazione dei suoi costumi, e in ogni tempo c’è chi non si vuole rispecchiare in quella rappresentazione. Lucien Freud, per esempio, che dipinge i corpi in profondo stato di decadenza fisica, ma che va molto al di là della decadenza del corpo? E Francis Bacon? Questa non è certo l’arte accademica, è l’arte che scava nelle angosce dell’uomo,

nelle sue difficoltà di vivere e fa emergere i fantasmi. Ecco perché, per accettarla, bisogna avere la mente aperta, e, oltre la mente, aperto il cuore e avere bisogno di verità. Haring, Basquiat, giovani usati dai mercanti, ma disperati al punto da annientarsi con la droga e morire giovanissimi. Cosa sono quei segni spesso scomposti, se non grida di solitudine? In una epoca in cui la banalizzazione di ogni oggetto e di ogni sentimento, è la filosofia che impera, la visita a una rassegna di arte contemporanea potrebbe farci fuggire da questo atteggiamento e dare individualità non solo a ciò che ci viene proposto ma a noi stessi. Poi, possiamo anche andare a riposarci in una Galleria d’arte con tele del Rinascimento e del Barocco, dove l’impegno sembra più semplice, ma sembra solamente. Ricordiamo, per accostarsi all’Arte, ci vuole la mente aperta.

intollerante e intransigente quando si cerca di prevaricarlo o di porre limiti alla sua libertà

La signora Dalloway

Virginia Woolf È come una veduta aerea la presentazione dei personaggi che si muovono in una bella mattina di giugno nel centro di Londra, guidati dal fascino di una automobile a tendine tirate che fa pensare, agli apionati sudditi di Sua Maestà, che possa essere la Regina chiusa discretamente in quella automobile, o, perché no? il principe di Galles, il bel principe di Galles. E chi non vorrebbe vederli e dire, c’ero anch’io? Basterebbero la prime venti pagine di questo romanzo per capire che è un grande romanzo di una grande scrittrice. Virginia Woolf, con una disinvoltura magica, a dai fiori che Clarissa Dalloway deve comprare per la festa che organizza quella sera in casa sua e che dà alla storia una immediata sensazione di leggerezza, alle braccia di Sally, una amica di gioventù che le fa fare considerazioni sull’innamoramento tra uomodonna e donna- donna. E, con Sally, c’è Peter Walsh, innamorato da sempre di Clarissa, e poi Hugh Whitbread e Moll Pratt e Septimus Warren Smith con sua moglie Rezia e il dottor Holmes e Maisie Johnson e la signora Dempster e sir William Bradshaw. Tutti ripresi dall’alto, sotto il magnifico sole di quella giornata di giugno fino a che lo zoom li cattura e ne svela la storia e i pensieri e il ato e il presente e le angosce e le ansie. Un capolavoro di narrazione. Tutta la storia della signora Dalloway si svolge in una giornata. Ma questo breve periodo di tempo, in cui le mezz’ore e le ore sono segnate dal Big Ben e dagli orologi della città, basta per raccontare la vita di ogni personaggio. E ciascuno si collega all’altro senza che il lettore quasi se ne accorga. Ora si trova a seguire Peter Walsh e i suoi fallimenti ora si trova immerso nei disagi di vita di Septimus Warren Smith, ora si trova nei cinici pensieri e ancor più freddi comportamenti di sir William Bradshaw, il medico che dovrebbe curare Septimus dalle angosce

e dalle allucinazioni. Una lucida visione della società londinese aristocratico-borghese degli anni venti: agli uomini la delega per impegni politici e sociali, alle donne la consegna dell’apparente futilità. Septimus, reduce dalla Grande Guerra, non riesce a vincere i ricordi di morte e a inserirsi in quella realtà: si uccide. Septimus incrocia Clarissa nel centro di Londra per un attimo, nessuno degli invitati a quella festa lo conosce tranne sir William Bradshaw (che giustifica con quel tragico evento il ritardo alla festa), ma il suo suicidio esplode nell’animo di Clarissa e con quella morte tutte le sue insicurezze, le sue inquietudini, le sue solitudini. C’era quel terrore; quella spaventosa impotenza, i genitori la depongono nelle nostre mani, questa vita, perché la viviamo fino alla fine, perché le camminiamo a fianco serenamente;nel profondo del cuore Clarissa aveva una terribile paura. Straordinario romanzo. Virginia Woolf usa i personaggi per parlare di sé con chiarezza e discrezione. Sally, per esempio, ha le stesse caratteristiche di Vita Sackeville West, brillante, disinvolta, amante dei giardini, dei fiori e della stessa Virginia. Una intensa storia d’amore che portò alla nascita di Orlando. E la depressione e le allucinazioni di Septimus sono quelle della stessa Virginia nei periodi in cui il male la assaliva tanto da portarla al suicidio? E Richard, il rassicurante Richard che se non fosse stato lì a leggere il Times, cosicché lei poteva rannicchiarglisi accanto come un uccello e riprendere gradatamente a vivere, non può essere suo marito Leonard Woolf? Straordinario romanzo. Chi non lo ha ancora letto, che sia nato sotto il segno dell’Acquario o sotto qualunque altro segno, deve leggerlo, e senza perdere tempo.

tutto è messo in discussione: schemi, abitudini, certezze, rapporti

Il segreto

Anonimo triestino Per quasi tutta la vita questo libro mi ha seguita. E non perché mi senta particolarmente affascinata dagli scrittori anonimi (o sì?), ma perché mi era stato dedicato, giovanissima, da un ragazzo che, poi, mi ha amata per tutta la vita e che, per molti anni, non osò dichiarare il suo amore, conservando per sé e per sé solo, il “segreto”. Come non inserirlo in questa rassegna dei libri che vorrei far scoprire? La storia di un ragazzino e poi di un adolescente e poi di un uomo nell’amore inespresso per una compagna di scuola, per una adolescente e poi una donna: Bianca. Bianca viene spiata, pensata e immaginata e desiderata in un processo di sentimenti che paiono molto ingenui e immaturi ma che si rivelano i sentimenti di sempre, di tutti i tempi, di tutte le generazioni, di tutte le latitudini. Chi ha letto L’amore ai tempi del colera di Garcia Marquez? Il segreto è un’anticipazione di quel bel romanzo. Una mania d’amore, una ossessione d’amore, un incanto d’amore. La scoperta dell’amore ai tempi - la storia si svolge intorno agli anni ’20 – in cui non si parlava spudoratamente di amore, in cui la scoperta delle emozioni doveva essere un segreto, in cui solo pensare di scoprirsi e di confidarsi sembrava una profanazione, in cui la “purezza” era un valore assoluto. Bei tempi? È ciò che abbiamo sempre l’aria di dirci, con nostalgia e rimpianto, quando rivanghiamo il ato. Ma erano davvero bei tempi? Proprio non lo so. Se quel ragazzo e poi quell’uomo che mi ha amata mi avesse dichiarato il suo amore, allora, cosa sarebbe stato di me?

Oggi, alla mia età e alla luce della mia esperienza, parafrasando Ret Butler di Via col vento dichiaro: francamente me ne infischio.

capace di analisi ma al tempo stesso di sintesi fulminee

È di moda la morte

Raul Montanari Perfetta. Perfetta questa raccolta di racconti di Raul Montanari: equilibrio tra storia, scrittura, e pensiero dell’autore. Mi sono domandata infatti, se Raul Montanari non abbia scritto I lupi per dire tutto ciò che pensa del suo mestiere e dell’ambiente nel quale lavora e si muove. Nei romanzi non può, c’è una trama da rispettare, c’è l’attesa dei lettori, c’è l’esigenza dell’editore. Ma in questi racconti ha trovato lo spazio e la libertà di dire:Ti domandi se non eri più felice da ragazzo, quando pensavi solo a pescare le trote con le mani in Garfagnana. Non è vero? Cos’hai davvero avuto in cambio? Cosa ti rispondi quando ti fai queste domande? Improvvisamente il mondo diventa un gorgo di acqua sporca, e tu giri, giri in tondo mentre i compleanni si sgranano uno dopo l’altro e il buco dello scarico si avvicina. La voce dell’autore. Forte e precisa. Amara e concreta. La voce di uno scrittore che non ama ingannarsi. E in La maschera e la pelle ancora la sua voce, dell’uomo che non si fa illusioni: messi insieme il cazzo e il cervello combinano guai, perché cominciano a parlarsi solo tra loro e dimenticano quello che sta in mezzo: il cuore e la pancia. Ma forse del cuore non c’è nemmeno bisogno. Lasciamolo in pace, povero cuore, tutti gli chiediamo già troppe cose! La pancia dovrebbe bastare, perché un uomo capisca quello che può e quello che non può fare. Uno scritto rispecchia sempre l’autore, lo rivela, lo racconta. Si sa. E Raul Montanari è uno scrittore noto. Più noto per i suoi romanzi che per i racconti, però, ed è per questo che la raccolta di racconti mi ha colpita. È formata da piccole pietre preziose che vanno a incastonarsi in un gioiello di grande pregio. Da tenere in vetrina. Da ammirare e toccare con cautela. I personaggi femminili, che siano ridotti a numeri, come in Roulette russa, o

rampanti come Marina Emme nei I lupi, sono reali, e non ce li toglieremo di dosso così in fretta. Li conosciamo, li vediamo girare per la città, nelle boutiques, a teatro: labbra rifatte, tette rifatte, tacchi altissimi. Obbligate a esibirsi senza accorgersi, forse, della pena che si portano addosso. Ma La morte è di moda.

una condizione esistenziale di instabilità e sfida continua

Opinioni di un clown

Heinrich Böll Ventisette anni. Tedesco. Di famiglia agiata. Professione: clown. Se fosse stato un imbrattatele sua madre avrebbe detto:il nostro Hans è un artista, troverà la sua strada. Sta ancora lottando. Ma sua madre non riconosce la vocazione di un clow, non riconosce il disinteresse per lo studio, non riconosce che i bambini dovrebbero mangiare di più l’esperienza più straordinaria della nostra infanzia è stata di renderci conto che a casa non ci davano mai a sufficienza per riempirci la pancia, dice Hans al padre. Niente di Hans, fin da piccolo, viene accettato. E questo rifiuto, insieme alla condizione di appartenere a una famiglia miliardaria, conferma in Hans il bisogno di ribellarsi, di essere “contro”, di non appartenere al circolo di sua madre che riunisce in casa gente fasulla. L’abbandono di Maria, una ragazza mite figlia di un proletario, l’unica donna che si senta di amare e di desiderare, sarà fatale al nostro Hans. Ma Maria ha bisogno di una vita normale, non può piangere e piangere e piangere perché perde un bambino dietro l’altro, perché non ha sicurezze, perché deve andare da una città all’altra, da un albergo all’altro, da un teatro all’altro, perché deve assecondare le posizioni contrastanti e scontrose di Hans. Lei è convintamente cattolica e le pesa la condizione di peccatrice. Deve sposare un cattolico per rimettere ordine nella sua vita. Hans invece li combatte i cattolici avrei dovuto immaginarmelo: quando si tratta di proprietà i cristiani sono di una giustizia spietata, ce l’ha con loro e con le ipocrisie di un ambiente borghese, in una Germania degli anni ’60, soffocato dai poteri forti, di cui suo padre è un esponente. Non gli resta che annientarsi, dopo un incontro con il padre, incapace di tendergli una mano affettuosa, dopo le telefonate ad amici, a suo fratello, che prende i voti ma non sa cosa sia la solidarietà.

La solitudine di Hans è assoluta. Ognuno segue la sua vita “la vita continua” o qualcosa del genere, ma io lo sapevo benissimo: non è la vita che continua, è la morte. Ognuno segue i propri interessi e Hans è un elemento di disturbo in una comunità strutturata secondo convinzioni che si vanno sempre più solidificando. I ribelli non possono, non devono avere spazio in questo tipo di società. Leo ci aveva sempre tenuto tanto a sapere la mia vera opinione, vedere il mio vero volto, conoscere il mio vero io. Lo avrebbe visto. Quando non ero truccato aveva sempre paura delle mie finzioni, degli scherzi, delle mie maschere, di quello che lui chiamava il mio non far sul serio. Mi spalmai la faccia di vasellina e spezzai un vecchio tubo di biacca mezzo secco, ne spremetti tutto quello che c’era ancora dentro e mi stesi la biacca su tutta la faccia. Quello non era più un clown, era un morto che recitava la parte di un morto.

è vento cosmico rarefatto e sottile, affinità elettive tra chi condivide gli stessi ideali, vibrando sulla medesima lunghezza d’onda

Padri e figli

Ivan S. Turgenev Ero incerta se affidare questo romanzo, che primo dettò il concetto di nichilismo, ai nati sotto il segno del Capricorno o a quelli dell’Acquario. Poi ho deciso per l’ Acquario: mi sembra che la sensibilità di questo segno possa captare più facilmente le sottigliezze della storia. La contrapposizione tra due generazioni: i padri conservatori e legati al proprio convinto ato e ai propri solidi comportamenti, e i figli, pronti a distruggere tutto perché lo sentono come un bisogno-dovere. Una contrapposizione di tutti i tempi, come ben sappiamo, ma in questa opera di Turgenev siamo nella Russia della seconda metà dell’Ottocento in cui cominciano a dibattersi le questioni sociali. I padroni e i servi, non solo i padri e i figli. Le tradizioni di una Russia legata alla religiosità, alla spiritualità e una Russia che i giovani vogliono materialista e volta alla conoscenza alla scienza. Libera da tradizioni ingombranti: noi nichilisti agiamo in forza di ciò che riconosciamo per utile. Presentemente la cosa più utile è la negazione, e noi neghiamo. In alcuni dialoghi, tra Bazarov, portatore delle nuove idee, medico e nipote di un contadino: aristocrazia, liberismo, progresso, principi, pensa quante parole straniere…e inutili. All’uomo russo non servono neanche regalate e Pavel Petrovič, rappresentante l’aristocrazia, la raffinata educazione, l’eleganza, la cultura, il legame allo stile europeo: la personalità, egregio signore, ecco la cosa più importante; la personalità umana deve essere solida come una roccia, giacché su di essa si costruisce tutto, la semplicità dei concetti è quasi elementare. Eppure, dicono quali fermenti si agitavano nel popolo russo e il dramma che si preparava.

Lo scrittore inserisce una situazione simbolica, all’interno di quella nobile casa di campagna: Nikolaj Petrovič, vedovo, fratello di Pavel e padre di Arkadij (anch’egli sostenitore delle idee di Bazarov), vive e ama una giovane serva da cui ha avuto un figlio. Situazione certamente insolita in quel tempo e in quella società per l’amore e il rispetto che un padrone sente per una donna appartenente alla servitù e che Ivan Turgenev inserisce a metafora degli sconvolgimenti e degli equilibri sociali futuri. Bazarov, che disprezza il romanticismo e tutto ciò che si piega ai sentimenti, si innamora di Anna Odincova, una vedova che ha ribaltato la sua condizione sposando un vecchio ricco ma non era il fremito di una timidezza giovanile, non il dolce timore della prima dichiarazione ad averlo pervaso: era ione che palpitava in lui, forte e pesante, ione simile a rabbia e forse ad essa affine… Bazarov rifiuta questa debolezza, non può arrendersi alla convenzione: amore, sottomissione, schiavitù dai sentimenti. Va via da quella casa, da quella presenza, è inquieto ma ha bisogno di slanci. È attratto da Fenečka, la compagna di Nikolaj Petrovič, perché è giovane, coraggiosa e contadina. La bacia, ma Pavel Petrovič li vede e lo sfida a duello. Nell’animo di Bazarov si dibattono le contraddizioni: accettare un invito che tanto appartiene all’aristocrazia o accondiscendere alla sfida di Pavel per salvare il suo onore. Si batte e ferisce Pavel a una gamba. Lo soccorre, lo cura e scappa da quella casa per ritornare dai suoi genitori. Lì, curando un contadino, si infetta e muore di tifo pochi giorni dopo. Arkadij invece non si difende dai sentimenti. Il suo nichilismo si infrange di fronte alla purezza di Katja, giovane sorella di Anna Odincova. Ed ella si mise a piangere in modo innocente, ella stessa ridendo dolcemente delle proprie lacrime. Chi non abbia visto queste lacrime negli occhi dell’amato non ha ancora provato fino a che punto, interamente struggendosi di gratitudine e di vergogna, si possa essere felici su questa terra. Con la morte di Bazarov, il portatore di idee e di costumi controcorrente, tutto si ricompone e ritorna apparentemente nella convenzionalità. Turgenev infatti, nell’ultimo capitolo, informa e rassicura il lettore sulla sorte dei suoi personaggi: Arkadij e Katja felici, Nikolaj Petrovič e Fenečka sposati e sereni, Pavel a Dresda inserito nella società internazionale e persino la situazione economica notevolmente migliorata.

Tutto nell’ordine, dunque, ma noi sappiamo cosa è venuto dopo.

diplomatico fino a un sospetto di falsità, curioso, adattabile

Romanzo sentimentale

Enrico Gabbianelli Un esordiente che però ha saputo esordire costruendo una storia molto credibile, costruendo un finale che il lettore non si aspetta, in un ambiente in cui la gente si riconosce. La storia è quella di un innamoramento extra-coniugale. Quanti si possono riconoscere in una situazione così? E quanti sono riusciti e riescono a portare avanti situazioni ambigue? Mi sono sempre chiesta come si possa, ma sembra che sia molto più facile di quanto io pensi. Se si riusciva in tempi castigati, immaginiamo oggi che i tempi sono diventati “aperti”. Il protagonista del libro comunque soffre, ama la solidità della moglie, ma ama le fragilità dell’amante, proprio perché gli sembra di avere un ruolo che la moglie con le sue sicurezze gli ha tolto. Ma insomma, come devono essere queste mogli? Solidi o fragili? E se sono fragili quanto servono a un uomo che alla fine non ha così voglia di occuparsene in un rapporto matrimoniale in cui intervengono responsabilità, consuetudini, mancanza di sorprese? La storia è sempre la stessa: sono le novità che eccitano, che incuriosiscono, che provocano gli innamoramenti extra-coniugali. Comunque Federico, il nostro eroe, farà delle scelte e si ritroverà alla fine del romanzo con una grande sorpresa. Che naturalmente io non vi svelerò per non farvela perdere. La scrittura di Enrico Gabbianelli ha delle ingenuità e delle lacune dovute all’esordio, al primo romanzo. Non è facile inventare delle storie che tengano e questa tiene, e tiene benissimo, secondo me. Aspettiamo l’autore alla seconda prova.

Bibliografia

La bibliografia che segue si riferisce alle edizioni possedute dall’autrice. C.M. Martini, Conversazioni notturne a Gerusalemme, Milano, Mondadori, 2008 S. Márai, La sorella, Milano, Adelphi, 2006 A. Tyler, Ragazza in un giardino, Parma, Guanda, 2008 A. Pavignano, Da domani mi alzo tardi, Roma, edizioni e/o, 2007 T. Mann, La morte a Venezia, Milano, Mondadori, 1970 C. Fruttero, Mutandine di chiffon, Milano, Mondadori, 2010 S. Zuffi, Il mondo dipinto, Milano, Feltrinelli, 2009 F. Bonami, Lo potevo fare anch’io, Milano, Mondadori, 2007 V. Woolf, La signora Dalloway, Milano, SE, 1992 Anonimo, Il segreto, Torino, Einaudi, 1961 R. Montanari, È di moda la morte, Roma,Giulio Perrone, 2007 H. Böll, Opinioni di un clown, Roma, Gruppo editoriale l’Espresso, 2002 I. Turgenev, Padri e figli, Roma, Gruppo editoriale l’Espresso, 2004 E. Gabbianelli, Romanzo sentimentale, Milano, Italia Press, 2009

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Stampato dalla Società Editoriale ARPANet nel mese di gennaio 2014